Have you seen her all in gold/ Like a queen in days of old/ She shoots colors all around/ Like a sunset going down…
She’s a Rainbow de los Rolling Stones muestra un lado del grupo que casi nadie esperaba, como si por un momento hubieran cambiado el peligro por ensoñaciones y, sorprendentemente, les funcionara. En lugar de su habitual crudeza y actitud, el tema apuesta por el color, la suavidad y una imaginación casi cinematográfica que resulta incluso sospechosa viniendo de ellos. Mick Jagger lo interpreta con un toque más ligero, mientras el arreglo flota como si fuera una pintura en movimiento más que una canción de rock. Se mueve entre la experimentación y la elegancia, en un espacio donde todo parece ligeramente irreal. A día de hoy, sigue destacando como un momento en que la banda se permitió jugar sin perder su filo.
Títulos originales: She Comes In Colours ; Lady Fair ; Flowers In Your Hair Escrita por: Jagger/Richards Grabada: Olympic Sound Studios, Londres, 6–20 de mayo y 12–13–21 de junio de 1967, y De Lane Lea Studios, Londres, 2–23 de octubre de 1967
Mick Jagger: voz, pandereta Keith Richards: guitarra acústica y eléctrica Brian Jones: mellotrón, percusión Bill Wyman: bajo Charlie Watts: batería, percusión Músicos invitados: Nicky Hopkins (piano, clave), John Paul Jones (arreglos de cuerdas)
Más sobre She’s A Rainbow de los Rolling Stones
*Por Marcelo Sonaglioni
Ella viene en colores: una joya psicodélica de los Stones
A finales de los años sesenta, cuando el rock se reinventaba entre imágenes caleidoscópicas y experimentación constante, los Rolling Stones se alejaron por un instante de su habitual arrogancia para crear algo casi mítico. She’s a Rainbowapareció como una anomalía luminosa: parte cuento de hadas, parte sueño psicodélico y parte poema pop. En este retrato tecnicolor, la protagonista irradia una gracia sobrenatural, más cercana a una hechicera artúrica que al universo áspero que solía definir a los Stones. Sus colores se derraman como luz a través de un vitral, convirtiendo la canción en una visión de inocencia y fantasía, muy lejos de Muddy Waters y Chuck Berry. Aunque la banda pronto abandonaría el flower power para volver al blues rock, She’s a Rainbow permanece como un monumento brillante al momento en que se atrevieron a soñar en todos los colores.
Una canción fuera de época, y muy orgullosa de ello
Durante mucho tiempo considerada una de las creaciones más atípicas de los Stones, She’s a Rainbowse empapó del optimismo de ojos bien abiertos que definió a finales de los años sesenta. El idealismo del flower power impregnó su melodía, situando la canción en una encrucijada entre las raíces R&B de la banda y el renacimiento del blues más crudo que pronto llegaría con Jumpin’ Jack Flash y el álbum Beggars Banquet. Artistas como Billy Childish describieron más tarde a la canción como “una meditación de jardín Tudor”: poética, delicada y teñida de melancolía. Para algunos fans de la primera hora resultó demasiado fantasiosa, demasiado cercana al universo psicodélico de los Beatles, pero el paso del tiempo ha revelado su encanto: hoy se sostiene como el último aliento brillante del coqueteo de los Stones con el pop barroco.
Construyendo el arco iris: la magia de la producción
La canción no comienza con música, sino con atmósfera: un paisaje sonoro de una feria en la que un pregonero invita a los transeúntes a probar suerte. Esa entrada onírica se disuelve en el motivo ascendente de piano de Nicky Hopkins, ligeramente comprimido, al que pronto se suman el chelo, la pandereta, el bajo contundente de Bill Wyman y la batería precisa de Charlie Watts, empujando el tema con una seguridad medida. Keith Richards rasguea su Gibson Hummingbird con brillo y precisión, mientras Brian Jones añade una línea de Mellotron con tono de trompeta que aporta ese aire de feria y cuento ilustrado.
Pero la verdadera columna vertebral de She’s a Rainbow reside en sus audaces arreglos de cuerdas. John Paul Jones —años antes de fundar Led Zeppelin— creó pasajes que van de lo elegante a lo disonante, rozando incluso tensiones de inspiración bartokiana. En el puente central, el diálogo entre cuerdas y celesta resulta casi mozartiano, mostrando una sofisticación poco habitual en el catálogo de los Stones. Estas decisiones inesperadas revelan la voluntad del grupo de explorar la belleza sin ironía, aunque el acorde áspero que Richards lanza al final recuerda que, bajo el brillo, el rock sigue latiendo con fuerza.
Voces, atmósfera y elecciones inesperadas
Los coros —esos kitsch “ooh-la-la-la-la”— aparecen como un guiño a la ingenua fantasía de la era psicodélica. Grabados a una velocidad más lenta y reproducidos luego más agudos, adquieren un tono nasal, casi caricaturesco, similar a técnicas que los Beatles habían utilizado en Sgt. Pepper. Toda la banda, excepto Charlie Watts, aportó armonías, superpuestas bajo el piano de Hopkins y la orquestación envolvente. Jagger, sorprendentemente cómodo en este universo colorido, se mueve entre el romanticismo trovadoresco y una sensualidad sutil. Su interpretación oscila entre la inocencia y el doble sentido, una ambigüedad que algunos críticos vieron como una debilidad, pero que hoy se percibe como parte esencial de su encanto lúdico. Breves destellos de clavicémbalo, golpes de percusión manual y trucos de estudio suman capas a un paisaje sonoro que, en todos los sentidos, no se parece a nada más en el catálogo de los Stones.
Keith Richards (2016): “Cuando la escribí cuando la tocamos por primera vez, creo que Mick y yo la pensamos como una especie de cajita de música. Pero cuando la llevas al escenario, se convierte en otra canción. Y ahí me di cuenta de que había mucho más en ella de lo que había imaginado.”
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